"Les vampires modernes de la ville" de Vampire Weekend à 10 ans

Jul 25, 2023

Modern Vampires of the City de Vampire Weekend est une création de studio au sens du 21e siècle, née de plusieurs mois de sueur et d'obsession derrière les écrans d'ordinateur.

J'ai passé la majeure partie de mes 20 ans dans un programme de doctorat en histoire américaine. Pour un historien, le temps se déplace dans une seule direction, et le passé est quelque chose à trancher et à découper pour créer les ingrédients d'un argument scientifique. Tout au long de ma formation prolongée, malgré tous ses hauts et ses bas professionnels et personnels, je n'ai jamais perdu foi en ma discipline en tant que proposition intellectuelle. Les analyses de cause à effet et les récits linéaires du domaine ont toujours semblé être un moyen valable de s'engager avec le passé.

Néanmoins, une partie de moi aspirait régulièrement à des départs temporaires de l'esprit sobre de mes futurs collègues universitaires en faveur de rencontres avec des textes plus en phase avec le fonctionnement de l'histoire dans la vie quotidienne : comme un ensemble continu de relations constamment faites et refaites par l'émotion. et la mémoire, avec divers passés flous s'effondrant dans le chaos du présent, pour le meilleur et pour le pire.

Pour ce genre de subsistance intellectuelle et émotionnelle, je me tournais souvent vers la musique pop.

Périodiquement au cours des deux dernières décennies, des écrivains perspicaces, dont le grand Simon Reynolds, ont soutenu que la musique pop et la culture pop, plus largement, sont devenues dépendantes du passé. Les années 1950, les années 1960, les années 1970, les années 1980, les années 1990 : elles avaient toutes un certain aspect et sonnaient d'une certaine manière. Il est impossible de confondre une scène d'une première saison de Mad Men avec celle de Boogie Nights. Qui pourrait souligner, et encore moins célébrer, des traits spécifiques à une époque largement reconnus à une époque où Internet fait se figer le "contenu" de toutes les générations en une masse sans saveur, les vêtements copient le passé selon un calendrier nostalgique de plus en plus court et les rockeurs classiques aspirer une grande partie de l'oxygène musical en se transformant en leurs propres groupes hommage ?

Il y a une part de vérité dans ce diagnostic des grandes tendances de la culture du XXIe siècle. Pourtant, bon nombre des meilleurs artistes de notre temps ont pu travailler "la fin de l'histoire" à leur avantage, menant des dialogues créatifs avec le travail des générations précédentes et produisant finalement quelque chose de nouveau à partir de l'ancien.

Un certain nombre d'exemples existent dans le monde de la musique pop en particulier : la conversation figurative et parfois littérale de Kendrick Lamar avec le jazz et le hip-hop des années 1990 sur To Pimp a Butterfly. Le mélange surprenant de flamenco classique et d'électropop des années 2010 de Rosalia sur El Mal Querer. L'utilisation par Taylor Swift des tropes de Shania Twain et Faith Hill sur Fearless pour raconter les drames d'une adolescente du millénaire avec une vivacité peu commune. L'infusion de la mélodie bruyante de Teenage Fanclub et My Bloody Valentine avec des traces de la musique folklorique celtique des provinces maritimes du Canada dans les trois albums d'Alvvays.

Il y a même un cas à faire pour Pretty.Odd., Panic! Le deuxième album tant décrié de At the Disco oscille entre le pop-punk théâtral et les sons les plus fantaisistes de la période psychédélique des Beatles. Dans des morceaux comme « That Green Gentleman » et « Northern Downpour », le fait de fouiller dans les sons de 1967 est si naïf qu'il mérite presque d'être considéré comme un chef-d'œuvre de l'art brut.

Cependant, je n'ai revisité aucune juxtaposition musicale du passé et du présent du XXIe siècle avec plus de fréquence ou de gratitude que Modern Vampires of the City, le dernier album de la remarquable trilogie initiale de Vampire Weekend, sorti il ​​y a dix ans ce mois-ci.

J'ai passé tellement de temps à écouter Vampire Weekend en partie à cause des résonances biographiques qui nous lient souvent à nos artistes préférés. Comme le groupe dans son ensemble, qui s'est réuni à l'Université de Columbia en tant que juniors et seniors (leur premier concert était une bataille de groupes au cours de laquelle ils se sont classés troisième sur quatre !), j'ai grandi en montrant plus d'intérêt que le rock moyen ' n' roller dans ce qui pourrait être appris des enseignants et des livres. Les paroles de globe-trotter, ornées de noms de marque et conscientes de la classe des deux premiers albums de The Vampire Weekend, ainsi que leur (absurde, rétrospectivement) controversée première garde-robe preppy, ont été influencées par des cours de littérature postcoloniale comme l'impérialisme et la cryptographie du professeur Gauri Viswanathan. Imagination. Une monographie historique, Noel Perrin's Giving Up the Gun: Japan's Reversion to the Sword, 1543-1879, a inspiré un morceau multicouche (généralement) accrocheur sur le deuxième album du groupe.

Je suis également attiré par la musique de Vampire Weekend – en particulier Modern Vampires of the City, un enregistrement motivé, en grande partie, par la lutte avec des questions religieuses – par la relation complexe d'Ezra Koenig avec son judaïsme. Comme Koenig, je suis un Juif américain majoritairement mais pas entièrement laïc dont la relation à la religion est davantage une question de fascination que de foi.

Au cours des dernières années, à l'abri de la tempête d'un marché du travail universitaire anémique par un travail d'enseignant au lycée dans un complexe de luxe qui n'est pas sans rappeler le premier film éponyme de Cape Cod de Vampire Weekend, j'en suis même venu à m'identifier au les premiers albums des nombreux Nick Carraway - ou des narrateurs à la Charles Ryder vivant de manière ambivalente parmi les très riches.

Pourtant, je dirais que Modern Vampires of the City devrait intéresser tout auditeur curieux des utilisations de l'histoire dans la musique pop contemporaine. Avec ce disque, le point culminant de l'éclat juvénile de Vampire Weekend, ils ont réussi de manière inhabituelle non seulement à faire s'effondrer le temps sur lui-même avec un bel effet, mais aussi à s'engager consciemment avec l'idée de telles juxtapositions. "Un album qui m'excite vraiment est Modern Vampires of the City", a dit un jour le producteur/gourou Rick Rubin (techniquement, il l'a posté sur le site Web exégétique Genius.com, mais imaginons-le assis en tailleur sur la terre nue , fermant les yeux, caressant sa barbe). "J'adore. J'adore. Ce que j'aime, c'est que ça sonne complètement moderne et complètement traditionnel. Ça pourrait être un disque de Paul Simon, mais ça sonne vraiment moderne. Et personne d'autre qui fait du moderne n'a autant tradition. Et cette combinaison me parle vraiment.

Ce mélange enchanteur de sensibilités émerge de la musique méticuleuse mais chaleureuse de Modern Vampires of the City, des paroles cérébrales mais passionnées et de l'interaction gracieuse entre les deux. Il est tentant de commencer par des préoccupations lyriques, comme le font souvent les auteurs de musique, mais nous pourrions en apprendre davantage en imitant la plupart des productions musicales du 21e siècle et en remontant des instrumentaux aux "top lines".

Les grands albums de groupes de rock - un terme qui s'applique à Vampire Weekend, présenté au monde comme un combo guitare-claviers-basse-batterie, malgré tout le refus du groupe de se conformer à une esthétique rock traditionnelle - ont tendance à se présenter soit comme un groupe contrôlé condensé du live du groupe (A Hard Day's Night, Is This It, etc.) ou le produit d'une approche "studio as instrument" (Pet Sounds, Kid A, etc.). Vampire Weekend (2008) est principalement dans l'ancien camp, même si le groupe aurait dû tourner avec un quatuor à cordes et un percussionniste auxiliaire pour reproduire exactement le disque. Le Contra (2010) animé, éclectique et transitionnel contient des éléments à la fois du groupe dans une pièce et du magicien dans le studio, le groupe commençant à utiliser une station de travail audio numérique (DAW) pour composer des chansons à partir du de bas en haut. Modern Vampires of the City est bien une création de studio, au sens du 21e siècle du terme, née de plusieurs mois de sueur et d'obsession derrière les écrans d'ordinateur.

Koenig et le producteur extérieur Ariel Rechstaid ont contribué à la production, et il y a un travail instrumental en direct de Chris "CT" Tomson et Chris "Baio" Baio, respectivement le batteur et le bassiste du groupe. Mais le principal architecte sonore de l'album était Rostam Batmanglij, multi-instrumentiste de Vampire Weekend, producteur interne et, aux côtés de Koenig, co-auteur-compositeur depuis la création du groupe jusqu'au départ de Batmanglij en 2016.

La collision entre le passé et le présent a été intégrée à toutes les étapes de la production du disque. "Le troisième album de Vampire Weekend est une musique entièrement électronique", a déclaré Batmanglij rétrospectivement lors de la promotion de son deuxième album solo, Changephobia de 2021, influencé par le jazz mais tout à fait contemporain. "Même si je suis conscient que cela semble extrêmement organique, c'était un produit du processus de production."

Quelques indices sur la façon dont cette qualité a pris forme dans la pratique proviennent d'une interview de 2013 avec Batmanglij et Rechstaid. L'objectif des producteurs, selon Batmanglij, était de "couvrir toutes les époques de l'enregistrement en ce qui concerne le son que nous sommes capables d'obtenir. Auparavant, j'avais toujours eu des plug-ins [logiciels] qui pouvaient me permettre d'obtenir certains sons. J'avais entendu dans ma tête, mais la seule chose qui manquait était wow et scintillement de la bande. Sur ce disque, nous avons enregistré à peu près toute la batterie, et beaucoup de basse, sur une vraie bande analogique. Il y avait d'autres éléments que nous voulions enregistrer numériquement et nous fondre dans ce monde, et, pour être honnête, avoir une qualité de bande presque caricaturale - tout comme une caricature de quelque chose qui a été enregistré sur bande." Dans les dernières étapes de la création de l'album, l'ingénieur de mastering Emily Lazar savait que la tâche à accomplir était "d'améliorer le mélange des éléments rétro et modernes qui rendent cette sortie si spéciale… Certains mixages sont arrivés numériquement, certains sont venus sur bande, tandis que d'autres ont été ajustés et modifiés directement à partir de l'ordinateur portable de Rostam."

Tout au long des Vampires modernes de la ville, des claviers - certains analogiques, d'autres existant uniquement dans l'ordinateur de Batmanglij - amènent diverses époques historiques dans le présent et confèrent une influence classique mesurée, mélodique et émotionnellement puissante à des kilomètres des excès symphoniques de nombreuses tentatives d'intégration pré -La musique du 20ème siècle dans le rock. Dans "Step", une composition étonnamment originale construite à partir de Bach, Pachelbel et du groupe de rap des années 1890 Souls of Mischief, ainsi que plusieurs autres artistes échantillonnés dans la chanson de rap, un clavecin vraisemblablement numérique joue des contre-mélodies baroques complexes au milieu d'un quasi-hip minimaliste en plein essor. hop drums et la magnifique mélodie vocale de Koenig.

Le piano de Batmanglij - souvent un piano droit accordé, de manière excentrique, dans la tonalité de B au lieu de C et enregistré dans un ordinateur portable avec un seul micro vocal dans l'appartement du producteur à Brooklyn - consulte des influences comme John Lennon de l'ère Plastic Ono Band avec l'omniprésent Bach pour apporter de la franchise et de l'intimité à des morceaux comme l'ouverture "Obvious Bicycle" et l'épilogue "Young Lion". Divers synthés sonnent des moments puissants comme le solo palpitant de "Worship You", qui utilise une échelle utilisée dans la musique de l'Iran natal des parents de Batmanglij, mais aussi une distorsion bruyante qui ressort de l'œuvre de ce groupe typiquement averse au scuzz.

Surtout, les parties de clavier de Modern Vampires of the City mettent en valeur la polyvalence souvent négligée de l'orgue, qu'il soit acoustique, électrique ou, comme c'est probablement le cas ici, généré numériquement. Certains des délices de la musique religieuse de Bach nous parviennent à travers les lignes d'orgue magistrales de "Step". Un orgue direct se déplaçant avec aisance entre l'accord I et l'accord IV nous invite dans le monde à la fois joyeux, méfiant et triste de "Uncrossing", un hymne accrocheur d'agnosticisme (une variété de chansons que nous pourrions autrement supposer trop paradoxales pour exister). Un orgue de rock psychédélique et woozy aide à propulser "Everlasting Arms" ; dans le deuxième couplet, un orgue baroque d'église se joint temporairement. Dans "Don't Lie" et "Finger Back", l'orgue rock affirmé et percussif fusionne avec une batterie en plein essor qui ajoute en quelque sorte à la puissance mélodique, en plus de la puissance rythmique, de chaque chanson.

Depuis le début de la carrière de Vampire Weekend, les percussions ont été un outil crucial dans les efforts du groupe pour différencier leur musique de celle de leurs contemporains. ("Nous écoutions tellement de types de musique", a déclaré Koenig à un intervieweur en 2008. "Nous écoutions du hip-hop et de la musique électronique. Et nous avions l'impression que si nous devions créer un groupe de rock, il valait mieux ne pas simplement être un groupe de rock-and-roll.") Batmanglij mérite une grande partie du crédit pour les parties de batterie exceptionnellement importantes, idiosyncratiques et mémorables de Vampire Weekend. La batterie d'une chanson, à son avis, est "aussi significative et émotionnelle que les paroles et les accords".

Cela se reflète dans la trilogie initiale de Vampire Weekend et dans le travail ultérieur du producteur sur ses disques solo et ses albums majeurs d'artistes comme Haim et Clairo. Nous ne devons cependant pas négliger les contributions de Tomson lui-même. Tomson était principalement un guitariste jusqu'à ce que Koenig le recrute dans le groupe; sa musicalité centrée sur la chanson a fait de lui un atout pour le groupe plus qu'un batteur traditionnel aurait pu l'être. Même certains des motifs de batterie les plus artificiels de Modern Vampires ont été joués en direct par Tomson, puis manipulés numériquement par Batmanglij et Rechtshaid.

Sur Modern Vampires of the City, la batterie nous rappelle souvent que nous sommes fermement au 21e siècle, alors même que les sons d'autres époques entrent et sortent du premier plan. Comme c'est plus souvent le cas avec les artistes pop et hip-hop qu'avec les groupes de rock, Vampire Weekend n'a pas peur que la batterie soit simple et minimale quand cela servirait le mieux la chanson ou de retenir la plupart ou l'intégralité de la batterie jusqu'à ce qu'il soit temps pour que le percussionniste fasse une entrée mémorable et rythmée.

Dans "Hannah Hunt", par exemple, la batterie est absente pour l'introduction de la chanson, qui présente d'abord un effet sonore de vagues qui se brisent et de voix qui bavardent. Puis un schéma de mouvements rapides entre l'accord I et les accords V, joué d'abord par une basse solitaire puis par la basse en tandem avec un piano clair et brillant. Tomson arrive avec la voix de Koenig au début du premier couplet, mais uniquement sous la forme d'un motif syncopé minimal sur les tambours à main ou les tam-tams, se déplaçant, de manière inhabituelle, entre le milieu-gauche et le milieu-droit sur le mixage stéréo dans chaque phrase rythmique. Même si d'autres éléments - voix de sauvegarde hautes de Batmanglij, un synthé monotone, une guitare de surf woozy - entrent et sortent du mix, Tomson s'en tient à son schéma simple, contribuant à la beauté feutrée et introvertie de la chanson.

Après le deuxième refrain, cependant, tout change. La chanson commence à monter en intensité avec les émotions des personnages dans l'histoire des paroles d'un couple lors d'un road trip transcontinental de plus en plus mélancolique. C'est la batterie qui nous propulse à travers ce changement musical et narratif drastique, avec la caisse claire martiale de Tomson conduisant une mélodie de piano aiguë et lyrique, puis le chœur final culminant du morceau, dans lequel Koenig imprègne les mêmes mots que le deuxième chœur ("Si je peux Je ne te fais pas confiance, alors, bon sang, Hannah / Il n'y a pas d'avenir, il n'y a pas de réponse / Bien que nous vivions sur le dollar américain / Toi et moi, nous avons notre propre sens du temps ») avec un désespoir crépitant en contradiction avec le la livraison mesurée des mots la première fois. Enfin, lorsque les voix s'estompent et qu'une guitare slide douce-amère occupe le devant de la scène, la caisse claire s'en va et nous nous retrouvons avec un rythme retenu mais toujours propulsif de la grosse caisse et des tam-tams.

La basse de Baio n'est pas toujours aussi importante dans le mixage que la batterie de Tomson, mais l'accent mis par la production sur l'espace et l'équilibre donne au bassiste plusieurs occasions de capter notre attention. Celles-ci incluent, outre le début de "Hannah Hunt", les transitions cruciales entre les couplets et refrains très différents de "Step", et, surtout, la magnifique ligne de basse contrapuntique de "Don't Lie". Pour apprécier pleinement le caractère indispensable de Baio à Vampire Weekend, cependant, vous devez les attraper en direct. Tout au long de l'histoire de Vampire Weekend, la danse joyeuse et stupide du bassiste a empêché le groupe de tomber dans le piège du rock indépendant d'être trop cool pour avoir l'air d'être, Dieu nous en préserve, de s'amuser sur scène. Ces jours-ci, maintenant que Vampire Weekend a ajouté quatre membres en tournée et intégré des aspects de la musique de groupe de jam dans son approche, Baio offre ce charisme qui affirme la vie tout en maintenant des lignes de basse complexes et influencées par le jazz, comme dans l'introduction instrumentale dramatique que le groupe a ajouté à Contra "White Sky".

Où tout cela laisse-t-il la guitare? Au début, la guitare propre redevable à Johnny Marr des Smiths et à des joueurs africains comme King Sunny Adé était une partie essentielle du son de Vampire Weekend (bien que même alors, le groupe était prêt à retirer et plus tard à réintroduire la guitare pour donner aux sections d'une chanson une musique différente). couleurs, comme dans le premier single "A-Punk", dont la partie de guitare brillamment simple disparaît pour laisser d'abord une flûte synthétisée puis la basse de Baio occuper le devant de la scène). À l'époque de Modern Vampires of the City, cependant, la guitare est devenue l'un des nombreux ingrédients que le groupe utilise pour ajouter de la couleur et des contre-mélodies au mix, tourné avec beaucoup moins de fréquence que les claviers susmentionnés mais un peu plus souvent que celui de Batmanglij. des arrangements saisissants et judicieusement employés pour les cordes et les bois.

Des chansons entières passent sans rythme ni guitare solo. Lorsque l'instrument entre en scène, cependant, il apporte une contribution mémorable au mélange d'époques et de genres de l'album. Dans "Hannah Hunt" seul, l'instrument nous rappelle la musique surf du début des années 1960, le country rock d'une décennie plus tard, et, caché sous la batterie et le piano de la transition dramatique vers le dernier refrain, même le feedback lourd rock alternatif des années 1990. Pourtant, ces parties de guitare couvrant une époque, souvent jouées directement sur un ordinateur portable, aident à raconter une histoire tout à fait contemporaine sur la recherche d'une vie de connexion et de sens dans les conditions dégonfleuses d'âme d'une Amérique malade avant même qu'un certain fasciste ne descende son infernal escalier mécanique.

Les musiciens pop du XXIe siècle ouvertement engagés dans le travail des générations précédentes courent le risque, si leurs références sont trop monotones ou respectueuses, de créer des exercices vides de nostalgie. D'un autre côté, si l'artiste rétrospectif vise, comme le fait Vampire Weekend, un éclectisme à la pie, il peut produire ce que Reynolds appelle à juste titre du « rock de collection de disques », dans lequel l'intégration de diverses références devient une fin en soi. . Sur Modern Vampires of the City, cependant, la voix de Koenig, même en rendant les chansons beaucoup plus denses en allusions qu'elles ne le seraient en tant que musique instrumentale, réussit à lier toute cette exploration musicale et verbale. Il doit ce succès en partie à la pure mémorisation intemporelle de ses mélodies énergiques et sautillantes et en partie à son infusion des lignes les plus intelligentes et les plus allusives avec les émotions palpables de personnages proches de la trentaine, comme Hannah Hunt et le petit ami avec qu'elle se retrouve à voir "des vignes rampantes et des saules pleureurs" par la fenêtre sur la route "de Providence à Phoenix".

Les personnes dans les paroles de Koenig, des versions plus anciennes mais reconnaissables de celles qui ont peuplé Vampire Weekend et Contra, n'ont plus le luxe de voir le monde comme un terrain de jeu ou une salle de classe. Dans ce qui est probablement une déclaration explicite de départ de la sensibilité des premiers travaux du groupe à la "My Back Pages" de Bob Dylan, l'orateur, empruntant à Souls of Mischief pour commencer, avoue que "Back, back, way back". il "avait l'habitude de faire face comme Angkor Wat / Mechanicsburg, Anchorage et Dar-es-Salaam". Maintenant, le voyageur du monde - encore jeune, mais visiblement pas autant qu'avant - doit rentrer chez lui et réfléchir à la façon de vivre dans le monde en tant qu'homme adulte. Il espère qu'il est "plus fort maintenant" et "prêt pour la maison" qu'il aimerait partager avec la personne à laquelle il s'adresse. Mais il a des doutes.

Dans « Le hérisson et le renard : un essai sur la vision de l'histoire de Tolstoï », le philosophe britannique Isaiah Berlin, inspiré d'un vers des Fables d'Ésope, propose une division des écrivains en « hérissons », qui « rattachent tout à une seule vision centrale ». " et des " renards " qui " poursuivent de nombreuses fins, souvent sans rapport et même contradictoires, liées, le cas échéant, seulement d'une manière de facto, pour une cause psychologique ou physiologique ". Sur Modern Vampires of the City, Koenig, jusque-là clairement un renard consommé, devient une sorte de hérisson. Son grand thème d'animation est plutôt ambitieux : les façons dont la décoloration de notre jeunesse peut nous forcer à lutter contre l'impermanence de la vie elle-même. Ses orateurs n'ont pas peur d'essayer de surprendre leurs interlocuteurs pour qu'ils écoutent "le faible clic d'une horloge". "Tout le monde est en train de mourir." Nous commençons comme des "jeunes sangs" avec des "cœurs jeunes", mais il y a "une pierre tombale juste devant vous / Et tous ceux que je connais". Des problèmes vous attendent si vous ne laissez pas les images horribles de lumières autrefois brillantes "mourantes jeunes" (personnifiées comme "Dianne Young") "changer d'avis" sur la façon de passer le reste de vos jours.

Les conférenciers hautement éduqués de Koenig parcourent les archives culturelles de notre espèce - certaines ne datant que d'une génération, d'autres du monde antique - pour trouver des moyens de se sentir connectés à l'infini malgré l'inévitable finitude du corps. Mais ils admettent que les tentatives de trouver une inspiration directe dans le passé ne sont parfois rien de plus qu'une évasion. "J'aime le passé parce que je déteste le suspense", déclare la narratrice de "Diane Young" alors que le rock 'n' roll des années 1950 s'écrase de plein fouet dans un paysage sonore contemporain frénétique. Dans "Hudson", le dénouement lent et sinistre de Modern Vampires of the City, la ville de New York elle-même apporte des rappels de cauchemars passés, présents et futurs. Il y a des siècles, "Hudson est mort dans la baie d'Hudson / L'eau a pris le nom de sa victime." Aujourd'hui, dans un augure de la crise climatique, "Maintenant la crue du fleuve dit à Riverside / De changer encore de nom".

Les récits les plus vénérables de tous, ceux propagés par les religions traditionnelles, ne peuvent pas réconcilier ces personnages culturellement juifs mais théologiquement agnostiques ou athées avec le monde ou leur place dans celui-ci, bien que la Bible fournisse un cadre fascinant dans lequel poser des questions sans réponse. Parfois, Koenig habite pleinement le rôle archétypal juif de Jacob passant une nuit entière à lutter contre l'ange de Dieu pour un match nul. Après "Hannah Hunt", Modern Vampires of the City passe quatre chansons à construire jusqu'à "Ya Hey", une confrontation religieuse culminante dont le titre fait référence au nom de Dieu écrit dans la Bible avec quatre lettres hébraïques mais jamais prononcé à haute voix par les juifs religieux.

Bien qu'elle soit présentée comme une adresse directe à Dieu, la chanson est nettement irrévérencieuse, s'adressant au Seigneur comme une "chose douce". Dans le chœur, l'orateur évoque la célèbre histoire du Livre de l'Exode dans laquelle la voix de Dieu parle à Moïse à travers un buisson ardent. "À travers le feu, à travers les flammes", chante Koenig, "Vous ne direz même pas votre nom / Seulement" Je suis ce que je suis "." Mais l'orateur, contrairement à Moïse, est incapable de saluer ces mots avec une foi aveugle. Il ne peut pas accepter les prétendues prérogatives divines avec une douce acceptation. "Qui pourrait jamais vivre de cette façon?"

Heureusement, dans le monde de Koenig, même si la véritable transcendance est peu probable, la joie, la beauté et la connexion sont accessibles. "Tout le monde est en train de mourir", chante-t-il dans le dernier couplet de "Step", "mais, ma fille, tu n'es pas encore vieille." Parfois, pour saisir les possibilités de la vie, nous devons aller activement à l'encontre des enseignements transmis par les générations précédentes. Un intermède de mots parlés soutenu par un orgue dans "Finger Back" commence par les mots qui clôturent le texte que les Juifs lisent pendant la Pâque: "L'année prochaine à Jérusalem". Ensuite, cependant, nous découvrons que dans ce cas, la "Jérusalem" en question est en fait un magasin de falafels appartenant à un musulman "sur la 103e et Broadway", près de la base d'origine de Vampire Weekend à l'Université de Columbia. Une fille juive orthodoxe tombe amoureuse d'un homme d'une autre confession qu'elle rencontre au comptoir. Aurait-elle vraiment dû obéir aux règles, "détourné les yeux/et juste regardé fixement l'image plastifiée du Dôme du Rocher ?"

Peut-être qu'à travers la musique, même une personne laïque peut rencontrer quelque chose qui n'est pas sans rappeler une présence divine. Vers la fin de "Ya Hey", nous rencontrons un autre intermède parlé. Encore une fois, nous partons du principe que nous sommes dans le monde d'un texte religieux ancien, rejoignant Abraham ou Moïse "hors des tentes". Encore une fois, nous apprenons que nous sommes plutôt dans le présent. Ce sont les tentes d'un festival de musique. "Alors que l'air commençait à se refroidir et que le soleil se couchait", entonne Koenig, "Mon âme s'est évanouie / Alors que j'entendais faiblement le son" de Dieu, sous la forme d'un DJ, passant gracieusement du classique reggae "Israelites" de Desmond Dekker dans "19th Nervous Breakdown" des Rolling Stones. (C'est loin d'être le seul clin d'œil au reggae sur l'album; la phrase "Modern Vampires of the City" elle-même vient de la chanson "One Blood" de Junior Reid.")

Dans ce passage, les paroles de Koenig font émerger une idée implicite dans les efforts déployés par tout le groupe, avec Rechstaid, pour créer, avec l'aide de fragments de divers passés musicaux disparus, une nouvelle beauté musicale pour notre propre monde tumultueux, mais toujours moment historique chargé de possibilités. Nous pouvons consacrer un monde imparfait avec des sons parfaits.

En 2013, Vampire Weekend présentait déjà Modern Vampires of the City comme "tout à fait le dernier d'une trilogie". Le record est devenu considérablement plus important lorsque Rostam Batmanglij a quitté le groupe quelques années plus tard.

Sagement, les autres membres du groupe, maintenant (s'ils ne l'étaient pas déjà) sous la direction ferme de Koenig, ont pris leur temps pour suivre Modern Vampires, donnant au père de la mariée de 2019 la possibilité de devenir un album lié à ce qui était avant mais pointé vers de nouvelles perspectives . Là où Modern Vampires est un disque unique cohérent ressemblant à un hérisson, Father of the Bride est un double album foxy tentaculaire, bien qu'il en soit toujours la version serrée Vampire Weekend, parcourant 18 chansons en une heure. Là où son prédécesseur mettait au premier plan les orgues et les guitares en marge, les chansons incluent désormais beaucoup d'espace pour les parties de guitare, y compris certaines influencées par les Grateful Dead, une influence hippie improbable mais finalement bien adaptée pour cette fois célèbre, si au moins à moitié ironiquement, preppy groupe. Là où Modern Vampires, comme les deux premiers albums de Vampire Weekend, tirait peu de ses réserves de complexité musicale de l'harmonie, Father of the Bride apporte couleur, profondeur et nuance aux chansons à travers des progressions d'accords intéressantes sur des morceaux comme "Unbearably White", " Fleur de lune" et "Neige de printemps".

Koenig donne toujours vie à ses mélodies en collaboration avec d'autres musiciens. Maintenant, cependant (en dehors de quelques apparitions en camée), ses partenaires ne sont pas Batmanglij mais le retour de Rechtshaid et de nouveaux contributeurs comme Steve Lacy, DJ Dahi et Danielle Haim, avec qui il chante trois duos redevables au travail tragi-comique des paires de pays classiques. comme Loretta Lynn et Conway Twitty.

Dans "Harmony Hall", Koenig revisite la phrase "Je ne veux pas vivre comme ça / Mais je ne veux pas mourir", profondément enfouie dans "Finger Back", modifie la mélodie et en fait le crochet du groupe grand retour unique. Ici, la peur existentielle vient de la politique de l'ère Trump plus que de la religion ou de la vie personnelle de l'orateur. "Dans les couloirs du pouvoir", chante Koenig ailleurs dans la chanson, "Gît un cœur nerveux / Qui bat comme celui d'un jeune prétendant." Dans "Stranger", faisant référence à Fleetwood Mac, nous voyons que pour un orateur très similaire à Koenig lui-même (la sœur de sa partenaire Rashida Jones, Kidada, reçoit un cri par son nom), la domesticité engagée et vitale est passée des vagues aspirations de "Etape" vers une réalité concrète, complétée par "la bonne lumière" et une "bouilloire qui crie".

Bien que des problèmes subsistent, l'obsession de la mort d'un homme agité de 29 ans ne le fait pas. "Après avoir fait la couverture de l'album en noir et blanc avec les chansons sur la mort, vous ne pouvez pas aller plus loin", a déclaré Koenig, maintenant dans la trentaine, à Rolling Stone. Father of the Bride est "l'album de la vie".

Ce changement de perspective a été particulièrement évident lors de la tournée Father of the Bride, de loin la meilleure du Vampire Weekend. Les incarnations précédentes de l'acte en direct se contentaient de présenter des fac-similés respectables des versions enregistrées des chansons, suivant la même setlist nuit après nuit. Maintenant, ils jouaient des spectacles beaucoup plus longs, mélangeaient la setlist et apportaient de nouveaux arrangements, et parfois même de nouveaux grooves et interpolations, aux anciennes comme aux nouvelles chansons. Un groupe qui aurait pu être le flash proverbial du plan, comme tant d'autres chouchous du blog de la fin des années, s'annonçait plutôt comme un acte d'héritage que vous pourriez imaginer partager avec bonheur avec les générations futures encore à naître.

Dans cette optique, Modern Vampires of the City n'est pas la conclusion d'une histoire de plusieurs années. C'est un chapitre d'une épopée de plusieurs décennies. Peut-être que, lorsque la caisse claire attaque et que le piano éclate, et que la voix de Koenig, montant d'une octave, s'efforce d'articuler des mots autrefois faciles sur le "sens du temps" unique mais fragile d'un jeune couple, nous n'entendons pas une relation s'effondrer en poussière, mais témoin des prémices de sa renaissance de ses cendres.